Pablo Picasso: i suoi manifesti

 

Ogni tanto ci sono cose che non ti aspetti, in posti che non ti aspetti. 

Immagina di passeggiare per le strade di Cecina e imbatterti, quasi per caso (visto che ci vai volutamente, ma il luogo non è semplice da trovare), in un appuntamento ravvicinato con uno dei geni  più vulcanici del Novecento. Artisticamente parlando ovviamente.  È questa la sensazione che si prova visitando la mostra dedicata ai manifesti di Pablo Picasso al Centro Espositivo Comunale (in Piazza Guerrazzi, ma senza civico), un’esperienza che ribalta completamente l’idea polverosa che a volte abbiamo delle esposizioni d’arte. Non ci sono le solite tele imponenti o le cornici dorate che creano distanza, ma cinquantotto capolavori grafici che arrivano per la prima volta in Italia direttamente da una prestigiosa collezione svizzera, portando con sé un’aria di libertà e immediatezza che può spiazzare.

​Quello che colpisce appena varcata la soglia è scoprire un Picasso inedito, un artista che decide di mettere il suo immenso talento al servizio della comunicazione quotidiana. Questi manifesti non erano nati per finire in un museo, ma per vivere tra la gente, affissi sui muri di Vallauris o nelle bacheche dei congressi per la pace. Si passa con naturalezza estrema dalle grafiche dedicate alle mostre di ceramica, dove il tratto si fa quasi giocoso e mediterraneo, ai lavori di impegno civile dove la sua celebre colomba diventa un grido silenzioso contro la guerra. C’è qualcosa di profondamente democratico nel vedere come Picasso riuscisse a sintetizzare concetti enormi con pochissimi segni neri su fondo bianco, rendendo l’arte un linguaggio universale comprensibile a chiunque passasse per strada.

​Il percorso espositivo si snoda tra i temi cari al maestro, dalla passione viscerale per la tauromachia alla promozione di eventi culturali curati per i suoi amici artisti, rivelando una padronanza tecnica della litografia che lascia senza fiato. Ogni foglio racconta una storia diversa: c’è il calore del sole della Costa Azzurra, la tensione dell’arena e la speranza di un mondo senza conflitti. La bellezza di questa esposizione sta proprio nella sua capacità di farci sentire Picasso più vicino, quasi fosse un contemporaneo che comunica con noi attraverso un poster moderno, essenziale e straordinariamente attuale.

​Forse il valore più grande di questa iniziativa a Cecina è la scelta di offrire una tale qualità artistica in modo totalmente gratuito, trasformando la cultura in un dono per la comunità e per i turisti. È un invito a rallentare, a lasciarsi guidare dalla linea spezzata di un disegno o dalla forza di un contrasto cromatico, prima di ritornare alla luce della Toscana con gli occhi pieni di quella vitalità che solo Picasso sapeva infondere in ogni sua creazione. È una visita che consiglierei a tutti, ma vi avviso che domani 1 marzo termina. Siamo arrivati quasi in extremis per un qualcosa che forse non verrà ricordato come la mostra più importante della vita, ma sicuramente particolare ed atipica. Klaus e Zizzi presenti.

Album fotografico Pablo Picasso: i suoi manifesti 

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Juventus 3 - Galatasaray 2

 

Visto il risultato catastrofico dell'andata, si sapeva già che era finita. Eppure guardando la partita e seguendo il risultato ci abbiamo anche creduto. Perché la Juventus ed il suo allenatore hanno dimostrato carattere e piano piano abbiamo preso il possesso del campo e della palla. Anche andando in vantaggio ed anche rimanendo in dieci per buona parte della gara. Da uno a zero, al raddoppio ed alla terza rete che ci regala emozioni speranze ed i tempi supplementari. Purtroppo giocatori e limiti tecnici sono evidenti quindi dopo troppi errori madornali subiamo le reti avversarie, una per tempo. Peccato. 

Iron Maiden - Powerslave

 

Artista: Iron Maiden

Anno: 1984

Tracce: 8

Formato: CD 

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Powerslave è l’album degli Iron Maiden che più di tutti, per me, incarna gli anni Ottanta. Non solo per il suono,  ma per quell’idea di grandezza quasi smisurata che attraversa ogni brano. È un disco che non conosce mezze misure: è epico, teatrale, ambizioso e orgogliosamente sopra le righe. E io l’ho amato moltissimo non solo per l’estetica egizia monumentale. 

Qui i Maiden sono nel pieno della loro potenza creativa. La formazione classica, la sicurezza nei propri mezzi, la capacità di scrivere brani lunghi e articolati senza perdere mordente. L’apertura con Aces High è un decollo immediato, un’esplosione di energia che ti mette in chiaro che non ci saranno pause di cortesia. Subito dopo 2 Minutes to Midnight porta il disco su territori più riflessivi ma altrettanto incisivi, con un riff che resta incollato addosso.

Il cuore dell’album, però, è quella combinazione perfetta tra potenza e narrazione. La title track Powerslave è monumentale, solenne, quasi rituale, con un crescendo che sembra costruito per un’arena. E poi arriva Rime of the Ancient Mariner, tredici minuti abbondanti di racconto, atmosfera, cambi di tempo e tensione. Un brano che oggi pochi avrebbero il coraggio di scrivere in quel modo, con quella libertà e quella fiducia nel pubblico.

È un album che non ha paura di essere “troppo”: troppo lungo, troppo elaborato, troppo epico. Ma è proprio questo eccesso controllato a renderlo così rappresentativo di un’epoca in cui il metal non si scusava per la propria grandiosità. Ogni assolo è scolpito, ogni linea vocale di Dickinson è teatrale senza diventare caricatura, ogni sezione ritmica è solida e pulsante.

Riascoltarlo oggi significa tornare a un tempo in cui l’heavy metal era spettacolo, immaginario, avventura. Non nostalgia sterile, ma consapevolezza di quanto quel suono fosse identitario. Powerslave per me non è solo uno dei migliori album dei Maiden: è un simbolo di un periodo in cui il metal sembrava invincibile, sicuro di sé, capace di riempire stadi e di far viaggiare la fantasia verso deserti, battaglie e oceani maledetti.

L’ho amato e continuo ad amarlo perché è diretto ma mai banale, tecnico ma mai freddo, epico senza perdere anima. È uno di quei dischi che metti su e ti ricorda perché ti sei innamorato dell’heavy metal. E non serve aggiungere molto altro.

Late Night With The Devil - In Onda Con Il Diavolo (2023)

 

Regia: Colin Cairnes, Cameron Cairnes

Anno: 2023

Titolo originale: Late Night With The Devil

Voto e recensione: 5/10

Pagina di IMDB (7.0)

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In Onda Con Il Diavolo è uno di quei film che partono come curiosità cinefila e finiscono per restarti addosso più del previsto. L’idea è tanto semplice quanto geniale: un talk show notturno americano del 1977, trasmesso in diretta la notte di Halloween, che degenera davanti agli occhi degli spettatori. Non ci sono case infestate o foreste oscure: il palcoscenico è uno studio televisivo, con pubblico, sponsor, risate a comando e la disperata caccia allo share.

Il conduttore Jack Delroy, interpretato da un magnetico David Dastmalchian, è un uomo in caduta libera. Dopo la morte della moglie e il crollo degli ascolti, è disposto a tutto pur di restare rilevante. Lo speciale di Halloween diventa così un circo mediatico in cui medium, illusionisti e scettici si alternano fino all’arrivo di una ragazzina sopravvissuta a un suicidio collettivo, presunta vittima di possessione demoniaca. Da quel momento, il programma smette di essere intrattenimento e diventa qualcosa di disturbante, ambiguo e progressivamente ingestibile.

La forza del film sta nella ricostruzione maniacale dell’estetica dei late show anni Settanta: luci calde, battute imbarazzanti, musica dal vivo e quella patina televisiva che restituisce la sensazione di stare guardando un nastro d’archivio ritrovato. Il formato finto-documentaristico alterna le riprese “in onda” a momenti dietro le quinte in bianco e nero, creando un senso di autenticità che aumenta la tensione. Non è un horror che punta sugli spaventi immediati; preferisce insinuarsi lentamente, trasformando il disagio in inquietudine e l’inquietudine in qualcosa di decisamente più oscuro.

Sotto la superficie demoniaca, il film funziona anche come una satira feroce della televisione e della nostra ossessione per lo spettacolo. La sofferenza diventa contenuto, il dolore intrattenimento, e il confine tra realtà e performance si dissolve in nome dell’audience. È un horror che parla del diavolo, sì, ma ancora di più della fame di visibilità e della disponibilità a sacrificare tutto pur di essere guardati.

Il finale abbandona qualsiasi rassicurazione e abbraccia il caos, scelta che potrebbe dividere: c’è chi lo troverà ipnotico e chi invece resterà spiazzato. Ma è proprio questa mancanza di conforto a renderlo memorabile. Quando scorrono i titoli di coda resta la sensazione di aver assistito a qualcosa di proibito, come se davvero si fosse intercettata una trasmissione che non doveva andare in onda.

Non è il film giusto per chi cerca solo salti sulla sedia, ma per chi ama gli horror atipici, l’estetica rétro e le storie che riflettono sul potere dei media, è un piccolo gioiello disturbante. E, cosa rara, riesce a spaventare più per ciò che suggerisce che per ciò che mostra.

 

 

Cime Tempestose (2026) #ZOVER

 

 

Primo articolo, senza impegno, della rubrica #ZOVER, in cui ci saranno anche i pensieri di Zizzi a completare i miei.

Io ho memoria di un romanzo letto a 17 anni, quando non potevo digerire troppo bene un amore impossibile tra due persone di " caste" diverse, dentro un mondo fatto di regole imposte e da rispettare per mantenere l' onore delle famiglie. Non ne apprezzavo il dramma logorante che mangia l' identità della persona dall'interno . Comunque... Si poteva ricreare quest'idea nel 2026 senza fare una palla di film ? Ovviamente no , perché quelle regole non le ricorda più nessuno. Nessuno si sarebbe immedesimato per rivivere emozioni trasmesse dai personaggi dentro di sè. E allora si cerca di rielaborare quel concetto in chiave attuale ( perché un film è bene che colga situazioni attuali e te le faccia vedere in un modo diverso).

Un amore tossico ( che va tanto di moda ) coltivato fin da bambini ( io non le guardo, ma credo sia il tema di svariate serie TV ) che va a devastare un matrimonio ( che non va più di moda ) già fragile tra due persone della stessa "condizione" sociale. Condizione sociale determinata esclusivamente dal denaro , non dalla carica nobiliare . Si definisce chiaramente il concetto per cui un uomo acquista importanza nel momento in cui riesce ad ostentare ricchezze. Tutta la trama ruota intorno all'avere o non avere denaro. Quando si ha denaro si vince , quando non lo si ha si è perdenti. Con la ricchezza si ottiene un po' tutto: la bella vita , il rispetto e anche le donne .

D' altro canto il concetto del desiderio amoroso ottocentesco è trasposto nella figura di donna "bella" , la più bella di tutte. La donna acquista valore non per le sue doti di lealtà o purezza, ma perché è bella , la più bella e quindi la più desiderabile . Nell'Ottocento si amava il "desiderio" di quella donna , adesso ottenere quella donna "più bella di tutte " è un motivo di orgoglio e di distinzione maschile . È il preciso spaccato della contemporaneità che sbandiera liberalismo dalla materialità , quando invece affonda le radici nell'ostentazione del denaro e della bellezza , come è sempre stato.

L'estetica meravigliosa di tutto il film rappresenta la perfezione esteriore che vive di soldi in contrasto con i difetti infiniti e celati dell'animo umano che vanno dalla perversione al tradimento nutrito nel tempo, dalla lussuria alla violenza sugli innocenti, dal sadismo al sadomasochismo .... Tutto il film esagera e carica elementi, oggetti, particolari, usando la finzione cinematografica per distorcere quella perfezione estetica attentamente costruita per fare percepire i sintomi dell'animo corrotto umano. Ne deriva un senso di inquietudine, di perversione subdola di cui ognuno di noi è consapevole di avere in qualche forma, ma non ammetterà mai , mentre sembra di vedere una storia d' amore soltanto un po' complicata. .

 

Cime Tempestose (2026)

 

Regia. Emerald Fennell

Anno: 2026

Titolo originale: Wuthering Heights

Voto e recensione: 4/10

Pagina di IMDB (6.3)

Pagina di I Check Movies

Acquista libro su Amazon 

 

Mentre ero al cinema mi è venuto in mente che tutta la mia cultura su questa storia si basa quasi esclusivamente sull'album degli Angra, Angels Cry... Ammetto subito quindi il peccato: non ho mai visto altre versioni cinematografiche e non ho letto il romanzo di Cime Tempestose. Conoscevo la storia solo per fama, quella patina romantica e tragica che aleggia attorno al mondo creato da Emily Brontë. Mi aspettavo quindi un amore devastante, febbrile, quasi violento. E forse è proprio qui che il film mi ha perso.

Questa ultima trasposizione di Emerald Fennell punta moltissimo sull’estetica: volti perfetti, fotografia elegante, paesaggi battuti dal vento che sembrano usciti da una pubblicità di profumi di lusso. Tutto bellissimo, per carità. Ma l’urgenza emotiva? Lo strazio? Quella sensazione di amore tossico e inevitabile che dovrebbe togliere il fiato? Rimane sullo sfondo.

I protagonisti funzionano visivamente più che emotivamente: si guardano intensamente, soffrono in modo composto, sembrano sempre consapevoli di essere in un’inquadratura splendida. Il risultato è un romanticismo levigato, quasi educato, che smussa gli spigoli della passione invece di affondarli.

Non è un brutto film: è curato, elegante e coerente nel suo tono malinconico. Ma a me è mancato il pugno nello stomaco. Avrei voluto uscire dalla sala con il cuore strappato, non con la sensazione di aver sfogliato un catalogo di immagini suggestive.

Detto questo, potrebbe essere anche una questione di aspettative: mi aspettavo tempesta, ho trovato nebbia. Suggestiva, sì. Ma non devastante.

 

Fortunatamente per i lettori, subito di seguito (cioè sopra) ci sarà la possibilità di leggere su VER i pensieri di Zizzi per una rubrica taggata #ZOVER (Zizzi On VER)